Coco antes de Chanel

“Coco antes de Chanel”
Título Original: Coco Avant Chanel
Dirección: Anne Fontaine
Guión: Edmonde Charles-Roux (novela) y Anne Fontaine
Elenco: Audrey Tautou, Benoît Poelvoorde, Alessandro Nivela, Marie Gillain, Emmanuelle Devos
Francia, 2009

Ayer se presentaron los nominados a los Globos de Oro, siendo esta la instancia preliminar a la entrega de los Oscar. Si bien las películas escogidas a Mejor Película Extranjera tienen atributos bastante ponderables, hay que destacar que dejaron atrás a varias otras que también tenían lo suyo como la última de Juan José Campanella – “El Hijo de la Novia” (2001) - o de Fernando Trueba – “Belle Epoque” (1992) -. Sin embargo, existía una larga lista de candidatas que bien podían ser descartadas de cualquier certamen fílmico por su precariedad en el relato y su nimio aporte a la industria audiovisual. Una de esas es “Coco Avant Chanel” que, a pesar de tener rasgos de calidad como una limpia imagen y un vestuario de lujo, cae en un letargo colosal del cual es imposible despertar.

¿Qué ocurriría si el personaje principal no fuera Coco Chanel? Simplemente la película no valdría mucho la pena. El gran plus de la obra es que relata la vida esforzada de Coco antes de fundar el imperio del cual todos conocemos hoy en día, sin embargo si el personaje fuese otro, la película pasaría sin pena ni gloria ya que no posee esa característica especial que demarca a las grandes obras del séptimo arte. Y no es que el personaje principal tenga que ser conocido para que su historia sea digna de filmar, ya que un claro ejemplo de ello es el de “La Escafandra y la Mariposa” (2007), la gran película francesa que relata la vida de Jean-Dominique Bauby - editor general de Elle en los 90’s - la cual podría tener como personaje principal a un ser anónimo y de todas maneras implicaría una obra con argumento potente que aprovecha en su plenitud el poder comunicacional que tiene la cinematografía.

“Coco Avant Chanel” dirigida por Anne Fontaine – que se reveló como promesa en 1997 cuando realizó “Nettoyage à sec” – tiene un paso cansino que por momentos termina por incentivar la visualización de la hora. El pensar que el tiempo ha sido desaprovechado en la sala de cine, es lo peor que le puede pasar a un director y lamentablemente en esta nueva obra de Fontaine aquello ocurre. Sin embargo, una gran gracia de la cinta es que Autrey Tautou logra desmarcarse de su personaje de Amélie Poulain, realizando un papel creíble y sujeto a la interpretación demarcada por la directriz de la cinta; fruto del trabajo de Fontaine quien logró sacar a relucir el talento de la joven actriz francesa quien luego de su trabajo con Jean-Pierre Jeunet quedó encasillada en un rol fantástico sin poder ejecutar otros roles de calibre en los futuros años.

Es cierto que el cine francés posee un aura especial y que el gusto por él es bastante extravagante. Sin embargo, quizás la forma de abordar esta cinta por la directora fue errónea al ejecutar un relato poco profundo sin ahondar en esos detalles que interiorizan al espectador con los sentimientos vivos de la obra. El juego que se establece entre la audiencia y lo mostrado en pantalla es primordial para el aplauso espontáneo, y si éste no se presenta a través del relato, pone en riesgo el buen resultado de la cinta mediante el cual todos sus engranajes calcen a la perfección.

Calificación: 4/7

2012

“2012”
Director: Roland Emmerich
Guión Roland Emmerich y Harald Kloser
Elenco: John Cusack, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor, Thandie Newton, Oliver Platt, Woody Harrelson, Danny Glover
USA, 2009

Roland Emmerich sabe cuál es el gusto de la gente. Su público desea ver la calidad de los efectos especiales más que cualquier otra cosa. Sin embargo, esto no le da crédito para desaprovechar dos horas y media de exhibición, abusando de los efectos y sin darle ningún propósito al argumento que propone. Muchos directores de esta índole se salvan ya que son designados exclusivamente para la dirección sin poder participar en el guión, pero el caso de Emmerich es distinto ya que él ha sido uno de los impulsores de la obra participando tanto en la idea original, escritura y producción de la misma.

“2012” es una película mala. Así de simple. Si bien sus efectos por momentos sorprenden, existe una cuota de agotamiento que termina por abrumar del todo pidiendo por favor que la película termine lo antes posible. La historia no tiene nada original, salvo en sus inicios cuando explican el por qué ocurrirán los acontecimientos naturales. Sin embargo, esto sólo se extiende durante el 1% del metraje, dejando el resto para que Emmerich se entretenga con los desastres naturales, la destrucción masiva, el aniquilamiento humano y la típica misiva de que Estados Unidos nuevamente logra salvar al mundo.

En todo aspecto, la posible calidad visual y sonora mezclada con la ciencia ficción, es corrompida por un guión lleno de chistes inútiles, escenas dramáticas innecesarias alejadas del realismo capaz de impregnar de sentimientos la pantalla y una historia bastante obvia que no genera mayor expectación dentro de la audiencia. Es por esto que la película se debería haber encasillado en los efectos especiales y en una muestra escénica que pudiese entregar temor al público, advirtiendo así que el 2012 es una fecha inminente. Sin embargo, la obra se baña de surrealismo al nivel de desaprovechar la veracidad de este vaticinio de la civilización Maya que informa un nuevo ciclo del planeta.

Si usted quiere ir a ver buenos efectos, vaya a verla ya que tendrá la posibilidad de ver esos que estamos acostumbrados a ver en las películas de Roland Emmerich, como son “Independence Day” (1996), “Godzilla” (1998) y “The day alter tomorrow” (2004). Sin embargo, si le importa algo la trama de la película, descártela de plano e invierta su tiempo en algo más productivo ya que las dos horas y media se hacen eternas.

Clasificación: 3/7

Trailer de "2012"

Siete Almas

"Siete Almas"
Título Original: Seven Pounds
Director: Gabriele Muccino
Guión: Grant Nieporte
Elenco: Will Smith, Rosario Dawson, Woody Harrelson, Michael Ealy, Barry Pepper
USA, 2008

La esperanza es algo que a veces no se consigue mantener dentro de uno. Más aún cuando los pilares de la vida se derrumban en un abrir y cerrar de ojos, transformando así la perspectiva mucho más nebulosa y radical, dejando que las determinaciones de acabar con todo sean mucho más próximas a lo racional.

“Seven pounds” es una película que si bien puede ser criticada con bastantes prejuicios, deja algo al espectador que se valora y aprecia ante tanta oferta banal dentro de la cartelera cinematográfica. La película dirigida por Gabriele Muccino - mismo director de "The Pursuit of Happyness" (2006) - y protagonizada por Will Smith, en un principio puede ser una más de entre muchas obras que se sujetan al respaldo rentable de su actor protagónico, sin embargo el guión atrapa y muestra un argumento que bien vale la pena estar consciente de él, tal como lo hizo el director con Smith años atrás demostrando que entre ellos resultan buenas obras cinematográficas.

La película no cuenta con aspectos técnicos que destaquen, sus actuaciones transcurren sin sobresaltos a través del argumento, el formato entregado no genera sentimientos que maravillen ni tampoco puntos que llamen demasiado la atención; sin embargo, todo esto es dejado de lado por la historia. Todo a partir de un accidente que de cuajo desagarra la vida del protagonista y que lo lleva a tomar una de las decisiones más conflictivas en torno a la vida. Quizás esto es lo que deja a todos perplejos, incentivando a dejar el paquete de pop corn de lado y agudizando los sentidos en dirección a esa película que pareció ser otra cosa.

El manejo argumental es lo destacable. Tan interesante que mantiene la tensión en todo momento, develando capa tras capa cada uno de los acontecimientos que componen el objetivo final de la obra. Ante esta ilusión el espectador queda pensativo en qué es lo que vale más en estos casos, poniendo en tela de juicio lo bueno y lo malo, lo correcto y lo incorrecto, tal como hace algunos años nos posicionábamos en un estrado jurídico para juzgar la “bondad de la eutanasia” motivados por “Mar Adentro” de Alejandro Amenábar. ¿Qué ocurre en un caso como el de “Seven Pounds”? Es más una opción personal, aunque la bondad hacia el prójimo se transforma en uno de los mejores regalos de generosidad mostrada en la pantalla de los últimos años.

Calificación: 5/7

Trailer de "Siete Almas"

Distrito 9

"Distrito 9"
Título Original: District 9
Director: Neill Blomkamp
Guión: Neill Blomkamp y Terri Tatchell
Elenco: Sharlto Copley, Jason Cope, Nathalie Boltt, Sylvaine Strike, John Sumner, Nick Blake
USA/Nueva Zelanda, 2009

¿Por qué Nueva Zelanda está entre los países realizadores de esta cinta? Simplemente porque Peter Jackson - director de la trilogía de "El Señor de los Anillos" - es nacido y criado en esa zona, y aprovechando este título logró acceder a capitales neozelandeses con el rol de productor de esta gran película. ¿Pero habrá sido diferente el futuro de esta obra sin la producción de Jackson? Nunca lo podremos averiguar, aunque gran parte especula que el marketing acarreado por el Rey Midas oceánico fue muy favorable para Neill Blomkamp, creador de este relato de ciencia ficción que se originó a través de un cortometraje realizado años atrás (2005) y por el cual Jackson se enteró del tema.

La película cuenta con algo que muy pocas obras alrededor del mundo poseen: un novedoso guión que está fuertemente ligado tanto a la entretención como a un trasfondo social que promueve el racionamiento del espectador. Sin duda, que esto es lo que los críticos piden como base para gestar un análisis de las obras que a diario deben visualizar. Con estos cimientos, es muy difícil que la expresión artística tambalee ya sea en cada una de las diferentes ramificaciones que han surgido a través de la historia. "Distrito 9" la tiene insertada en su columna vertebral, posicionando al espectador en un estrado en el cual cumple el rol de juez y acusado a la vez.

Con un lenguaje audiovisual no habitual dentro de la cartelera, la película se transforma en una ficción tratada en instantes como documental que acerca la realidad ante las narices del público, quebrando así ese eterno vidrio que separa lo auténtico de lo meramente imaginativo. De esta manera nos plantea una nueva visión del ser humano, mucho más crítica, ante la cual nuevamente nos posiciona como "los malos de la película" ante las visitas extraterrestres. Y digo nuevamente ya que por mucho tiempo los alienígenas sólo venían a destruir la Tierra, siendo los seres humanos las víctimas de aquello y mostrando como Estados Unidos nos salvaba de la destrucción. Quizás la última gran película que situó a los seres humanos en el "bando enemigo" fue "E.T: El extraterreste" (1982), por lo que tuvieron que transcurrir casi 30 años para que una nueva cinta tocara la ciencia ficción de una forma tan sensible, permitiendo así que el público se encariñase con los seres desconocidos, dejando de lado a sus pares planetarios.

La fotografía, la música, las actuaciones, la edición: todo queda opacado por el poder argumental que cumple cabalmente la propuesta entregada por el director. Si bien, los efectos especiales fomentan la grandilocuencia de "Distrito 9" sin caer en esos abusos que seducen a varios, la película es aplaudida por converger esas líneas que parecen tan poco compatibles, pero que algunas obras demuestran sus puntos de similitud. La entretención puede escapar de la banalidad señores, y esto bien lo demuestra "Distrito 9".

Calificación: 7/7

Trailer de "Distrito 9"

Malditos Bastardos

"Malditos Bastardos"
Título Original: Inglourious Basterds
Director: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Elenco: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Diane Kruger, Daniel Brühl, Eli Roth
USA/Alemania, 2009

Plástica y caricaturesca. Eso es lo primero que se viene a la mente luego de apreciar la última cinta de Quentin Tarantino, aquel joven - aunque ya no tanto - director que en los 90's nos impresionó de sobremanera con "Reservoir Dogs" (1992) y "Pulp Fiction" (1994). El nombre de Tarantino pasó a ser de culto y sus películas se transformaron en una obligación de ser vistas. Pocos directores han tenido ese privilegio y Tarantino bien lo sabe, por lo que se permite dar aires de divo que por momentos comienzan a agotar, permitiendo así que el pensamiento del espectador se centre en su grandilocuencia más que en su trabajo. ¿Acaso Scorsese lo ha hecho a través de sus años? Marty sigue siendo humilde y por esta sencilla razón supera aún más a sus pares que llevan el adjetivo de "arrogantes".

Pero fuera de todo el marketing que al director oriundo de Tennessee le gusta generar, se encuentra su obra que a través de los años ha crecido inversamente proporcional entre las expectativas y su calidad. "Malditos Bastardos" se había anunciado con fanfarrias, pero a la crítica mundial no le llamó mucho la atención, quizás por su excesivo metraje como a su vez por el poco impacto argumental de su relato. La obra presenta una historia curiosa y anecdótica que logra ser novedosa, sin embargo el bombardeo de figuras ridículas o escenas cuasi plásticas, decantan en que la línea argumental se precipite en lo banal siendo saturada por tiempos muertos que sólo aportan a que el público comience a bostezar.

A pesar de todo, la película tiene sus puntos fuertes como la extraordinaria interpretación de Christoph Waltz - ganador de Cannes por dicho rol - quien a pesar de ejercer un personaje extremadamente caricaturesco, logra establecer una unión con la credibilidad que el espectador logra apreciar. No es el caso de Brad Pitt o el resto del elenco, quienes no fueron afortunados - o bien recompensados por el director - al personificar roles que no presentaban un espacio para poder liberar el acto escénico. Pero esto no es problema de ellos, sino que de guión ya que éste no ahondaba en la vida de los personajes - salvo quizás Shosanna Dreyfus - desarticulando así las proyecciones que cada interprete podía ejercer.

Lo que Tarantino tiene y de sobra, es el buen uso del lenguaje audio-visual. Y lo separo ex profeso en audio y visual, ya que el director de "Kill Bill" (2003) es un genio en las bandas sonoras de sus cintas, desatando una fiesta en cada una de las salas de cine tal como lo demuestra con "Malditos Bastardos". Desde sus primeras cintas lo ha demostrado, con soundtracks de culto que se han transformado en piezas obligadas dentro de las colecciones de los melómanos. Y este talento aún no lo pierde Quentin como tampoco el de su fotografía, ya que la posición de la cámara es fundamental para el lenguaje que ha desarrollado a través de los años y que ya se instala como marca registrada dentro de la industria cinematográfica mundial. Los planos de esta obra son por momentos verdaderas odas a la imagen, que compensan la somnolienta historia mostrada luego de lo mejor de la película: su primera parte.

Calificación: 5/7

Trailer de "Malditos Bastardos"

Dawson, Isla 10

“Dawson, Isla 10”
Director: Miguel Littin
Guión: Miguel Littin
Elenco: Benjamín Vicuña, Bertrand Duarte, Pablo Krögh, Cristián de la Fuente, Sergio Hernandez, Luis Dubó
Chile/Brasil/Venezuela, 2009

Cuando se toca un tema tan sensible e importante como este, la exigencia que se pide es superior. No se necesitan actores atrayentes para que la película funcione, ya que el valor agregado no va por ahí. La propuesta debe ser una obra informativa-artística que para un no conocedor del tema, sea una simple forma de culturizarse sobre la historia de una nación. Chile vivió un período de dictadura militar que llevó a cometer atrocidades en Derechos Humanos como la que se vivió en una remota isla del fin del mundo. Lo vivido en Dawson es relatado por uno de sus prisioneros – el actual Ministro de Obras Públicas Sergio Bitar – y es llevado a la pantalla grande por el director Miguel Littin. ¿Pero de qué forma? Cayendo en un relato plano, sin ninguna interiorización de personajes, con actuaciones que no aportan para nada al argumento, con chistes sin sentido que pretenden imponer algo de comedia en una historia dramática y con un desorden escénico que no permite descifrar cuál es el motor de la cinta.

Si bien el libro en que está basado puede ser interesante al detallar la vida en cautiverio político, el valor agregado del audiovisual es desaprovechado por el director, sólo amparado por la belleza del paisaje que protege de alguna manera la calidad del film. Sin el bello entorno de la patagonia chilena, la película podría ser olvidada en cuestión de minutos al no aportar nada y sólo ser un instante de “entretenimiento” para el espectador. Si la trama fuera banal como lo es el 50% de las películas hollywoodenses amantes del dinero, no habría problema y el espectador estaría consciente de que sólo irá a pasar un buen rato. Sin embargo, la historia real escapa de ser ligera al representar el duro momento que muchos chilenos vivieron en ese entonces.

La inclusión de actores mediáticos como Cristián de la Fuente sólo demuestran que el foco del director es otro, descartando la profundidad como debe ser tocado un tema de esa trascendencia. De la Fuente es un actor que no inspira ninguna credibilidad manteniéndose en el mundo del espectáculo sólo por su apariencia física. Caso contrario es el de Benjamín Vicuña que ha insinuado vestigios de buen actor en obras pasadas, pero que sin embargo no es aprovechado por el director al desarrollar una línea argumental bastante confusa en que no existe actor protagónico. Problemas de ejecución se notan y por momentos llegan a cansar. Ejemplo de ello es el uso/abuso del doblaje que más que aclarar los diálogos de los personajes, funciona como otro elemento de irrealidad que aporta negativamente al producto final.

Ante tantas cosas negativas, existen algunas que bien son valoradas y agradecidas. Tal es el caso del registro audiovisual de la época en donde Salvador Allende se muestra en el momento del bombardeo a La Moneda, o el siempre notable Luis Dubó, que en un papel menor logra robarse el protagonismo siendo el rol mejor llevado a pesar de sus diálogos inoportunos impuestos por el guión. Sin embargo, esto no logra revertir el error de desaprovechar una historia que bien valía la pena desarrollarla con más sentimientos, transformándola en una película emotiva que dejara pensando tanto a los partidarios como a los opositores de la dictadura de Pinochet.

Calificación: 3/7

Trailer de "Dawson, Isla 10": el Trailer es Mejor que la Película